การเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงในชีวิตของคุณไม่สามารถรับประกันได้ว่าศิลปินคนอื่นจะจำคุณได้ คุณเคยได้ยินชื่อจิตรกรชาวฝรั่งเศสชื่อเออร์เนสต์เมียซซิเออร์หรือไม่?

เขาร่วมสมัยกับ Edouard Manet และศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากขึ้นเกี่ยวกับเสียงไชโยโห่ร้องและการขายที่สำคัญ การย้อนกลับเป็นจริงเช่นเดียวกันกับ Vincent van Gogh แวนโก๊ะพึ่งพาธีโอน้องชายของเขาเพื่อจัดหาสีและผืนผ้าใบให้กับเขา แต่ทุกวันนี้ภาพวาดของเขาทำให้ราคาแผ่นเสียงสูงขึ้นเมื่อใดก็ตามที่พวกเขาเข้าร่วมการประมูลงานศิลปะ

การดูภาพเขียนที่มีชื่อเสียงทั้งในอดีตและปัจจุบันสามารถสอนคุณได้หลายอย่างรวมถึงองค์ประกอบและการจัดการกับสี แม้ว่าอาจเป็นบทเรียนที่สำคัญที่สุดคือในที่สุดคุณควรวาดภาพเพื่อตัวคุณเองไม่ใช่เพื่อการตลาดหรือลูกหลาน

"Night Watch" - แรมแบรนดท์

ภาพวาด "Night Watch" โดย Rembrandt อยู่ใน Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม มันเป็นภาพวาดขนาดใหญ่: 363x437 ซม. (143x172 ") แรมแบรนดท์เสร็จในปี 1642 ชื่อจริงของมันคือ" The Company of Frans Banning Cocq และ Willem van Ruytenburch "แต่มันเป็นที่รู้จักกันดีกว่าในเวลา กลางคืน บริษัท ที่เป็นกองทหารรักษาการณ์)

องค์ประกอบของภาพเขียนนั้นแตกต่างกันมากในยุคนั้น แทนที่จะแสดงตัวเลขในแบบที่เรียบร้อยและเป็นระเบียบซึ่งทุกคนได้รับความโดดเด่นและพื้นที่เดียวกันบนผืนผ้าใบ Rembrandt ได้วาดรูปพวกเขาเป็นกลุ่มที่วุ่นวาย

ราว ค.ศ. 1715 มีการทาสีโล่ไว้บน "Night Watch" ที่มีชื่อของคน 18 คน แต่มีเพียงบางส่วนเท่านั้นที่ระบุชื่อ (จำไว้ว่าถ้าคุณวาดภาพคนกลุ่ม: วาดไดอะแกรมที่ด้านหลังเพื่อไปกับชื่อของทุกคนเพื่อให้คนรุ่นต่อไปในอนาคตจะได้รู้!) ในเดือนมีนาคม 2009 นักประวัติศาสตร์ชาวดัตช์ Bas Dudok van Heel ในที่สุดก็ไขปริศนาความลึกลับของใคร งานวิจัยของเขายังพบสิ่งของเครื่องแต่งกายและเครื่องประดับที่ปรากฎใน "Night Watch" ที่กล่าวถึงในสินค้าคงคลังของครอบครัวนิคมซึ่งเขาได้เปรียบเทียบกับอายุของอาสาสมัครต่างๆในปี 1642 ซึ่งเป็นปีที่ภาพวาดเสร็จสมบูรณ์

Dudok van Heel ยังค้นพบอีกว่าในห้องโถงที่มีการแขวนนาฬิกา "Night Watch" ครั้งแรกของ Rembrandt มีการจัดกลุ่มทหารอาสาสมัครหกภาพซึ่งแสดงในซีรีส์ต่อเนื่องไม่ใช่ภาพวาดแยกหกภาพ แทนที่จะเป็นภาพกลุ่มหกโดย Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart และ Flinck กลายเป็นผ้าสักหลาดที่ไม่มีรอยต่อกันจับคู่กันและจับจ้องอยู่ที่ผนังไม้ในห้อง หรือนั่นคือความตั้งใจ "Night Watch" ของแรมแบรนดท์ไม่เหมาะกับภาพวาดอื่น ๆ ในการจัดวางหรือสี ดูเหมือนว่าแรมแบรนดท์ไม่ปฏิบัติตามเงื่อนไขของค่าคอมมิชชั่นของเขา แต่ถ้าเขามีเราก็ไม่เคยมีภาพกลุ่มในศตวรรษที่ 17 ที่แตกต่างกันอย่างน่าทึ่งนี้

"Hare" - Albrecht Dürer

โดยทั่วไปเรียกว่ากระต่ายของDürerชื่อทางการของภาพนี้เรียกมันว่ากระต่าย ภาพเขียนอยู่ในคอลเล็กชันสะสมของ Batliner Collection ของพิพิธภัณฑ์ Albertina ในกรุงเวียนนาประเทศออสเตรีย

มันถูกวาดโดยใช้สีน้ำและ gouache โดยมีไฮไลท์สีขาวทำใน gouache (แทนที่จะเป็นกระดาษสีขาวที่ไม่ได้ทาสี)

มันเป็นตัวอย่างที่งดงามของวิธีการทาสีขน ในการเลียนแบบวิธีการที่คุณใช้จะขึ้นอยู่กับความอดทนที่คุณมี หากคุณมีเยอะแยะคุณจะทาสีด้วยแปรงบาง ๆ ทีละผม มิฉะนั้นให้ใช้เทคนิคแปรงแบบแห้งหรือแยกขนแปรงออก ความอดทนและความอดทนเป็นสิ่งจำเป็น ทำงานเร็วเกินไปกับสีที่เปียกและความเสี่ยงของแต่ละคนก็อาจจะเป็นไปได้ อย่าทำต่อไปนานพอและขนจะดูเป็นขุย

ปูนเปียกเพดาน Sistine Chapel - Michelangelo

จิตรกรรมโดย Michelangelo ของเพดาน Sistine Chapel เป็นจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

The Sistine Chapel เป็นโบสถ์ขนาดใหญ่ใน Apostolic Palace ซึ่งเป็นที่พำนักอย่างเป็นทางการของสมเด็จพระสันตะปาปา (ผู้นำของโบสถ์คาทอลิก) ในนครวาติกัน มันมีจิตรกรรมฝาผนังจำนวนมากทาสีโดยชื่อที่ใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารวมถึงจิตรกรรมฝาผนังโดย Bernini และ Raphael แต่มีชื่อเสียงมากที่สุดสำหรับจิตรกรรมฝาผนังบนเพดานโดย Michelangelo

มีเกลันเจโลเกิดเมื่อวันที่ 6 มีนาคม ค.ศ. 1475 และเสียชีวิตในวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 พระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ได้รับหน้าที่จากมิเกลโลเจโลทำงานบนเพดาน Sistine Chapel ตั้งแต่เดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1508 ถึงตุลาคม ค.ศ. 1512 (ไม่มีงานใด ๆ โบสถ์แห่งนี้เปิดตัวเมื่อวันที่ 1 พฤศจิกายน ค.ศ. 1512 ในงานฉลองนักบุญทั้งหลาย

โบสถ์แห่งนี้มีความยาว 40.23 เมตรกว้าง 13.40 เมตรและเพดานสูงจากพื้นดิน 20.70 เมตรที่จุดสูงสุด ¹ Michelangelo ได้ทาสีฉากของพระคัมภีร์ศาสดาพยากรณ์และบรรพชนของพระคริสต์รวมถึงคุณลักษณะ trompe l'oeil หรือสถาปัตยกรรม พื้นที่หลักของเพดานแสดงเรื่องราวจากเรื่องราวของหนังสือปฐมกาลรวมถึงการสร้างมนุษย์การล่มสลายของมนุษย์จากพระคุณน้ำท่วมและโนอาห์

เพดานโบสถ์ Sistine: รายละเอียด

แผงแสดงการสร้างมนุษย์น่าจะเป็นฉากที่รู้จักกันดีที่สุดในปูนเปียกที่มีชื่อเสียงโดย Michelangelo บนเพดานโบสถ์ Sistine

โบสถ์ Sistine ในนครวาติกันมีจิตรกรรมฝาผนังจำนวนมากทาสีอยู่ แต่ก็มีชื่อเสียงมากที่สุดในเรื่องจิตรกรรมฝาผนังบนเพดานโดย Michelangelo การฟื้นฟูอย่างกว้างขวางเกิดขึ้นระหว่างปี 2523 และ 2537 โดยผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะของวาติกันขจัดควันที่มีมูลค่านับศตวรรษออกจากเทียนและงานฟื้นฟูก่อนหน้า สิ่งนี้เผยให้เห็นสีที่สว่างกว่าที่เคยคิดไว้มาก

เม็ดสี Michelangelo ใช้รวมสีสดสีแดงและสีเหลืองเหล็ก silicates สำหรับผักใบเขียวไพฑูรย์สำหรับบลูส์และถ่านสำหรับสีดำ ¹ ไม่ใช่ทุกสิ่งที่ถูกวาดอย่างมีรายละเอียดมากเท่าที่ปรากฏขึ้นครั้งแรก ตัวอย่างเช่นตัวเลขในเบื้องหน้าจะถูกทาสีในรายละเอียดมากกว่าตัวเลขในพื้นหลังซึ่งเพิ่มความรู้สึกของความลึกของเพดาน

เพิ่มเติมเกี่ยวกับโบสถ์ Sistine:

•พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์ Sistine

•ทัวร์เสมือนจริงของโบสถ์ Sistine

แหล่งที่มา:

1 พิพิธภัณฑ์วาติกัน: โบสถ์ Sistine, เว็บไซต์รัฐนครวาติกัน, เข้าถึง 9 กันยายน 2010

สมุดบันทึก Leonardo da Vinci

ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Leonardo da Vinci มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่สำหรับภาพวาดของเขา แต่ยังรวมถึงสมุดบันทึกของเขา ภาพนี้แสดงหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอน

พิพิธภัณฑ์ V&A ในลอนดอนมีสมุดบันทึกของ Leonardo da Vinci ห้าเล่มในคอลเล็กชัน หนึ่งนี้เรียกว่า Codex Forster III ถูกใช้โดย Leonardo da Vinci ระหว่าง 1490 และ 1493 เมื่อเขาทำงานในมิลานสำหรับ Duke Ludovico Sforza

เป็นสมุดบันทึกขนาดเล็กขนาดเท่าที่คุณสามารถเก็บไว้ในกระเป๋าเสื้อโค้ทได้อย่างง่ายดาย มันเต็มไปด้วยความคิดบันทึกและภาพร่างรวมไปถึง "ภาพร่างของขาม้าภาพวาดหมวกและเสื้อผ้าที่อาจเป็นความคิดสำหรับเครื่องแต่งกายที่ลูกบอลและบัญชีกายวิภาคของศีรษะมนุษย์" ¹ แม้ว่าคุณจะไม่สามารถพลิกหน้าสมุดบันทึกในพิพิธภัณฑ์ได้ แต่คุณสามารถเปิดดูผ่านทางออนไลน์ได้

การอ่านลายมือของเขาไม่ใช่เรื่องง่ายระหว่างสไตล์การเขียนพู่กันและการใช้งานการเขียนแบบกระจก (ย้อนหลังจากขวาไปซ้าย) แต่บางคนก็พบว่ามันน่าสนใจที่จะเห็นว่าเขาใส่ทุกสิ่งไว้ในสมุดบันทึกเดียวอย่างไร มันเป็นโน้ตบุ๊กที่ใช้งานได้ไม่ใช่เชิดหน้าชูตา หากคุณเคยกังวลว่าสมุดบันทึกความคิดสร้างสรรค์ของคุณไม่ได้ทำอย่างถูกต้องหรือจัดระเบียบให้นำของคุณจากต้นแบบนี้: ทำตามที่คุณต้องการ

_{ที่มา:}

_{1. สำรวจ Forster Codices, พิพิธภัณฑ์ V&A (เข้าถึง 8 สิงหาคม 2010)}

"The Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

ภาพวาด "Mona Lisa" ของ Leonardo da Vinci ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในกรุงปารีสเป็นภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก มันอาจเป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดที่รู้จักกันดีของ sfumato เทคนิคการวาดภาพบางส่วนรับผิดชอบต่อรอยยิ้มที่ลึกลับของเธอ

มีการคาดเดามากมายเกี่ยวกับผู้หญิงในภาพเขียน คิดว่าเป็นภาพเหมือนของ Lisa Gherardini ภรรยาของพ่อค้าผ้า Florentine ชื่อ Francesco del Giocondo (นักเขียนศิลปะสมัยศตวรรษที่ 16 วาซารีเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่แนะนำสิ่งนี้ใน "ชีวิตของศิลปิน") นอกจากนี้ยังได้รับการแนะนำเหตุผลสำหรับรอยยิ้มของเธอว่าเธอท้อง

นักประวัติศาสตร์ศิลปะรู้ว่าเลโอนาร์โดได้เริ่มต้น "โมนาลิซ่า" ในปี ค.ศ. 1503 โดยบันทึกของมันถูกสร้างขึ้นในปีนั้นโดยเจ้าหน้าที่อาวุโสชาวฟลอเรนซ์นามว่า Agostino Vespucci เมื่อเขาทำเสร็จก็มีความแน่นอนน้อยลง เดิมทีพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ลงวันที่ 1503-06 แต่การค้นพบที่ทำในปี 2012 แนะนำว่าอาจจะมากเท่าทศวรรษต่อมาก่อนที่มันจะเสร็จสิ้นตามพื้นหลังที่ขึ้นอยู่กับภาพวาดของหินที่เขารู้จักกันในปี 1510 -15 ¹ พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เปลี่ยนวันที่เป็น 1503-19 ในเดือนมีนาคม 2012

ที่มา:

1. Mona Lisa น่าจะเสร็จสมบูรณ์ในอีกสิบปีข้างหน้ามากกว่าที่คิดไว้ใน The Art Newspaper โดย Martin Bailey, 7 มีนาคม 2012 (เข้าถึง 10 มีนาคม 2555)

จิตรกรที่มีชื่อเสียง: Monet ที่ Giverny

ภาพถ่ายอ้างอิงสำหรับจิตรกรรม: Monet's "Garden at Giverny"

ส่วนหนึ่งของเหตุผลที่จิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ชื่อดัง Claude Monet มีชื่อเสียงมากคือภาพวาดของเขาจากภาพสะท้อนในบ่อน้ำลิลลี่ที่เขาสร้างขึ้นในสวนขนาดใหญ่ของเขาที่ Giverny มันเป็นแรงบันดาลใจมาหลายปีจนกระทั่งถึงจุดจบของชีวิต เขาวาดภาพไอเดียสำหรับภาพวาดที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบ่อน้ำและเขาสร้างภาพขนาดเล็กและขนาดใหญ่ทั้งงานเดี่ยวและซีรีย์

ลายเซ็นของ Claude Monet

ตัวอย่างของวิธีที่โมเนต์เซ็นชื่อภาพเขียนของเขามาจากหนึ่งในภาพวาดดอกบัวของเขา คุณจะเห็นว่าเขาเซ็นชื่อด้วยชื่อและนามสกุล (Claude Monet) และปี (1904) มันอยู่ที่มุมขวาล่างไกลพอดังนั้นมันจะไม่ถูกตัดออกจากเฟรม

ชื่อเต็มของ Monet คือ Claude Oscar Monet

"Impression Sunrise" - Monet

ภาพเขียนโดยโมเนต์ได้ตั้งชื่อตามสไตล์ศิลปะอิมเพรสชันนิสต์ เขาแสดงมันในปี 1874 ในปารีสในสิ่งที่กลายเป็นที่รู้จักในฐานะนิทรรศการอิมเพรสชันนิสต์ครั้งแรก

ในการทบทวนการจัดนิทรรศการซึ่งเขามีชื่อว่า "Exhibition of Impressionists" นักวิจารณ์ศิลปะ Louis Leroy กล่าวว่า:

_{ที่มา:}

_{1. "L'Exposition des Impressionnistes" โดย Louis Leroy, Le Charivari, 25 เมษายน 1874, ปารีส แปลโดยจอห์นเรวด์ใน ประวัติศาสตร์อิมเพรสชั่นนิสม์ Moma, 1946, p256-61; อ้างอิงใน Salon to Biennial: นิทรรศการที่สร้างประวัติศาสตร์ศิลปะโดย Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43}

ซีรี่ส์ "Haystacks" - Monet

Monet มักจะทาสีชุดของเรื่องเดียวกันเพื่อจับเอฟเฟกต์การเปลี่ยนแปลงของแสงผืนผ้าใบที่สลับเปลี่ยนเป็นวันที่ก้าวหน้า

โมเนต์วาดหลาย ๆ วิชาซ้ำแล้วซ้ำอีก แต่ภาพวาดซีรีย์ของเขาทุกคนแตกต่างกันไม่ว่าจะเป็นภาพวาดของดอกบัวหรือหญ้าแห้ง เมื่อภาพวาดของโมเนต์กระจัดกระจายอยู่ในคอลเลกชันทั่วโลกจึงมักจะจัดนิทรรศการพิเศษที่ภาพวาดชุดของเขาถูกมองว่าเป็นกลุ่ม โชคดีที่สถาบันศิลปะในชิคาโกมีภาพวาดกองหญ้าของโมเนต์หลายภาพไว้ในคอลเล็กชั่นเนื่องจากพวกเขาดูร่วมกันได้อย่างน่าประทับใจ:

• กองข้าวสาลี
• ละลายพระอาทิตย์ตก
• Sunset, Snow Effect
• เอฟเฟคหิมะวันที่มีเมฆมาก
• สิ้นสุดฤดูร้อน

ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2433 โมเนต์เขียนจดหมายถึงนักวิจารณ์งานศิลปะกุสตาฟเกฟฟรอยเกี่ยวกับชุดกองฟางที่เขากำลังวาดภาพพูดว่า:

"ฉันทำงานหนักด้วยความดื้อรั้นโดยใช้เอฟเฟกต์ต่าง ๆ แต่ในเวลานี้ปีพระอาทิตย์ตกดินอย่างรวดเร็วจนเป็นไปไม่ได้ที่จะทันกับมัน … ยิ่งฉันได้รับมากเท่าไหร่ งานจำนวนมากจะต้องทำเพื่อให้สิ่งที่ฉันกำลังมองหา: 'ทันที', 'ซองจดหมาย' เหนือสิ่งอื่นใดแสงเดียวกันแผ่กระจายไปทั่วทุกสิ่ง … ฉันหมกมุ่นอยู่กับความต้องการที่จะแสดงสิ่งที่ฉัน ประสบการณ์และฉันสวดอ้อนวอนว่าฉันจะเหลืออีกไม่กี่ปีให้ฉันเพราะฉันคิดว่าฉันอาจก้าวหน้าไปในทิศทางนั้น … " ¹

^{ที่มา:}

^{1. Monet ด้วยตัวเอง, p172, แก้ไขโดย Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989}

"ดอกบัวน้ำ" - Claude Monet

Claude Monet, "Water Lily, " c. 24 พ. ค. 2460- สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 65 3/8 x 56 นิ้ว (166.1 x 142.2 ซม.) ในการรวบรวมของพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งซานฟรานซิสโก

โมเนท์อาจจะโด่งดังที่สุดในบรรดาอิมเพรสชั่นนิสต์โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดภาพสะท้อนของเขาในบ่อลิลลี่ที่สวน Giverny ของเขา ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นก้อนเมฆเล็ก ๆ ที่มุมบนขวามือและสีฟ้าจุดด่างดำของท้องฟ้าที่สะท้อนอยู่ในน้ำ

หากคุณศึกษารูปถ่ายในสวนของโมเนต์เช่นหนึ่งในสระบัวของโมเนต์กับดอกไม้ดอกบัวนี้และเปรียบเทียบกับภาพนี้คุณจะได้รับความรู้สึกว่าโมเนต์ลดรายละเอียดในงานศิลปะของเขารวมถึงสาระสำคัญของ ฉากหรือความประทับใจของการสะท้อนน้ำและดอกไม้ลิลลี่ คลิกที่ลิงก์ "ดูขนาดเต็ม" ด้านล่างรูปด้านบนเพื่อดูรุ่นที่ใหญ่ขึ้นซึ่งจะทำให้รู้สึกถึงการทำงานของพู่กัน Monet ง่ายขึ้น

กวีชาวฝรั่งเศส Paul Claudel กล่าวว่า:

"ต้องขอบคุณน้ำกลายเป็นจิตรกรในสิ่งที่เรามองไม่เห็นเขากล่าวว่าพื้นผิวจิตวิญญาณที่มองไม่เห็นซึ่งแยกแสงออกจากการสะท้อนภาพ Airy Azure สีน้ำเงินของของเหลวที่เป็นของเหลว … สีที่ลอยขึ้นจากก้นบึ้งของน้ำในก้อนเมฆในอ่างน้ำวน"

^{ที่มา:}

หน้า 262 ศิลปะแห่งศตวรรษของเราโดย Jean-Louis Ferrier และ Yann Le Pichon

ลายเซ็นของ Camille Pissarro

จิตรกร Camille Pissarro มีแนวโน้มที่จะเป็นที่รู้จักน้อยกว่าผู้ร่วมสมัยหลายคนของเขา (เช่น Monet) แต่มีจุดที่ไม่ซ้ำกันในไทม์ไลน์ศิลปะ เขาทำงานเป็นทั้งอิมเพรสชั่นนิสต์และนีโออิมเพรสชั่นนิสต์เช่นเดียวกับการมีอิทธิพลต่อศิลปินที่มีชื่อเสียงในขณะนี้เช่นCézanne, Van Gogh และ Gauguin เขาเป็นศิลปินเพียงคนเดียวที่จัดแสดงนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ทั้งหมดแปดแห่งในปารีสตั้งแต่ปี พ.ศ. 2417 ถึง 2429

ภาพเหมือนตนเองของแวนโก๊ะ (1886/1887)

ภาพเหมือนของ Vincent van Gogh อยู่ในคอลเล็กชันของสถาบันศิลปะแห่งชิคาโก มันถูกทาสีโดยใช้สไตล์คล้ายกับ Pointillism แต่ไม่ยึดติดกับจุดเท่านั้น

ในช่วงสองปีที่เขาอาศัยอยู่ในปารีสจาก 2429 ถึง 2431 แวนโก๊ะวาดภาพตัวเอง 24 ภาพ สถาบันศิลปะแห่งชิคาโกอธิบายสิ่งนี้ว่าเป็นการใช้ "เทคนิคจุด" ของ Seurat ไม่ใช่วิธีการทางวิทยาศาสตร์ แต่ "ภาษาอารมณ์รุนแรง" ซึ่ง "จุดสีแดงและสีเขียวรบกวนและทั้งหมดสอดคล้องกับความตึงเครียดประสาทที่เห็นได้ชัดในแวนโก๊ะ จ้องมอง."

ในจดหมายไม่กี่ปีต่อมากับน้องสาววิลเฮลมินาแวนโก๊ะเขียนว่า:

"ฉันวาดภาพตัวเองสองรูปเมื่อเร็ว ๆ นี้ซึ่งหนึ่งในนั้นมีตัวละครที่ค่อนข้างจริงฉันคิดว่าแม้ว่าในฮอลแลนด์พวกเขาอาจเย้ยหยันความคิดเกี่ยวกับการวาดภาพเหมือนที่งอกที่นี่ … ฉันมักจะคิดว่าภาพที่น่ารังเกียจ ไม่ชอบที่จะมีพวกเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ใช่คนที่ฉันรู้จักและชื่นชอบ …. การถ่ายภาพบุคคลนั้นเร็วกว่าตัวเราเองในขณะที่ภาพวาดที่ทาสีเป็นสิ่งที่รู้สึกได้ทำด้วยความรักหรือความเคารพต่อ มนุษย์ที่แสดงให้เห็น"

ที่มา:

จดหมายถึง Wilhelmina van Gogh, 19 กันยายน 1889

ลายเซ็นของ Vincent van Gogh

การวางภาพวาดบนผืนผ้าใบเป็นทิศทางใหม่ของ Hirst และแน่นอนว่า Hirst จะไปนักเรียนศิลปะจะต้องติดตาม ภาพเขียนสีน้ำมันอาจกลายเป็นเทรนด์อีกครั้ง

ลอร่าพอร์เตอร์จาก About.com's Guide to London Travel ไปที่ตัวอย่างของนิทรรศการ Hirst และได้รับคำตอบสำหรับคำถามหนึ่งที่ฉันอยากรู้: เขาใช้เม็ดสีสีน้ำเงินอะไร?

ลอร่าก็บอกว่ามันเป็น "ปรัสเซียนสีฟ้าสำหรับทุกคนยกเว้นหนึ่งใน 25 ภาพวาดซึ่งเป็นสีดำ" ไม่น่าแปลกใจเลยที่มันเป็นสีน้ำเงินเข้มที่คุกรุ่นอยู่!

นักวิจารณ์ศิลปะ Adrian Searle of The Guardian ไม่ค่อยเป็นที่ชื่นชอบเกี่ยวกับภาพวาดของ Hirst:

การวาดภาพของเฮิร์สแค่ดูไม่ชำนาญและวัยรุ่นการแปรงของเขาขาดอุบายและแต่งตัวสวยที่ทำให้คุณเชื่อในคำโกหกของจิตรกรเขายังไม่สามารถถอดออกได้ " ²

_{ที่มา:}

_{1 เฮิร์สต์ 'ให้สัตว์หมักดอง', ข่าวบีบีซี, 1 ตุลาคม 2009}

_{2. "ภาพเขียนของดาเมียนเฮิรสท์นั้นช่างน่าเบื่อ" เอเดรียนเซิลร์ ผู้พิทักษ์ วันที่ 14 ตุลาคม 2552}

ศิลปินที่มีชื่อเสียง: Antony Gormley

Antony Gormley เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่โด่งดังที่สุดในรูปปั้น Angel of the North ซึ่งเปิดตัวในปี 1998 ตั้งอยู่ที่ Tyneside ภาคตะวันออกเฉียงเหนือของอังกฤษบนเว็บไซต์ที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นเหมืองถ่านหินต้อนรับคุณด้วยปีกกว้าง 54 เมตร

ในกรกฏาคม 2552 สถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งของ Gormley บนแท่นที่สี่ในจัตุรัสทราฟัลการ์ในลอนดอนเห็นอาสาสมัครยืนเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมงบนแท่น 24 ชั่วโมงต่อวัน 100 วัน ซึ่งแตกต่างจากแท่นอื่น ๆ ใน Trafalgar Square แท่นที่สี่ตรงด้านนอกหอศิลป์แห่งชาติไม่มีรูปปั้นถาวรอยู่บนนั้น ผู้เข้าร่วมบางคนเป็นศิลปินเองและร่างมุมมองที่ผิดปกติของพวกเขา (ภาพถ่าย)

Antony Gormley เกิดในปี 1950 ที่ลอนดอน เขาศึกษาในวิทยาลัยต่าง ๆ ในสหราชอาณาจักรและพุทธศาสนาในอินเดียและศรีลังกาก่อนที่จะมุ่งเน้นไปที่ประติมากรรมที่โรงเรียนศิลปะสเลดในกรุงลอนดอนระหว่าง 2520 และ 2522 การแสดงเดี่ยวครั้งแรกของเขาอยู่ที่หอศิลป์ Whitechapel 2524 ใน 2537 Gormley ได้รับรางวัลเทอร์เนอร์ด้วย "Field for the British Isles" ของเขา

ประวัติของเขาในเว็บไซต์ของเขาพูดว่า:

… Antony Gormley ได้ฟื้นฟูภาพลักษณ์ของมนุษย์ในรูปปั้นผ่านการตรวจสอบอย่างรุนแรงของร่างกายในฐานะสถานที่แห่งความทรงจำและการเปลี่ยนแปลงโดยใช้ร่างกายของเขาเองเป็นหัวเรื่อง, เครื่องมือและวัสดุ ตั้งแต่ปี 1990 เขาได้ขยายความกังวลของเขากับสภาพของมนุษย์ในการสำรวจร่างกายโดยรวมและความสัมพันธ์ระหว่างตัวเองและคนอื่น ๆ ในการติดตั้งขนาดใหญ่ …

Gormley ไม่ได้สร้างรูปแบบที่เขาทำเพราะเขาไม่สามารถทำรูปปั้นแบบดั้งเดิมได้ ค่อนข้างเขาจะพอใจจากความแตกต่างและความสามารถที่พวกเขาให้เราตีความพวกเขา ในการให้สัมภาษณ์กับ The Times ¹ เขากล่าวว่า:

"รูปปั้นดั้งเดิมไม่ได้มีศักยภาพ แต่เป็นสิ่งที่สมบูรณ์แล้วพวกเขามีอำนาจทางศีลธรรมที่บีบบังคับมากกว่าการทำงานร่วมกันผลงานของฉันรับรู้ถึงความว่างเปล่าของพวกเขา"

^{ที่มา:}

^{แอนโทนีกอร์มลีย์คนที่ปั้นโมลด์โดยจอห์น - ปอลฟลิ้นท์ออฟเวลา 2 มีนาคม 2551}

จิตรกรอังกฤษร่วมสมัยที่มีชื่อเสียง

จากซ้ายไปขวาศิลปิน Bob และ Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, ทอมฟิลลิปส์, เบ็นจอห์นสัน, ทอมฮันเตอร์, ปีเตอร์เบลคและอลิสันวัตต์

เหตุการณ์ครั้งนี้เป็นการดูภาพเขียน ไดอาน่าและแอคแทยอน โดยทิเชียน (ที่มองไม่เห็นออกไปทางซ้าย) ที่หอศิลป์แห่งชาติในลอนดอนโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อระดมทุนเพื่อซื้อภาพวาดสำหรับแกลเลอรี่

ศิลปินที่มีชื่อเสียง: Lee Krasner และ Jackson Pollock

ในบรรดาจิตรกรสองคนนี้แจ็คสันพอลลอคมีชื่อเสียงมากกว่าลีครัสเนอร์ แต่หากไม่มีการสนับสนุนและส่งเสริมงานศิลปะของเขาเขาอาจไม่มีสถานที่ในไทม์ไลน์ศิลปะที่เขาทำ ทั้งสองทาสีในสไตล์ศิลปะนามธรรม Krasner พยายามดิ้นรนเพื่อโห่ร้องอย่างมีวิจารณญาณในสิทธิของเธอแทนที่จะเป็นแค่ภรรยาของพอลลอค Krasner ทิ้งมรดกเพื่อก่อตั้งมูลนิธิ Pollock-Krasner ซึ่งมอบเงินช่วยเหลือแก่ศิลปินทัศนศิลป์

บันไดขาตั้งของ Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873 - 1948) เป็นศิลปินอเมริกันที่เกิดในปารีสที่รู้จักกันในชื่อภาพเขียนทิวทัศน์ของเขา ในขั้นต้นเขาได้รับการฝึกฝนภายใต้ดาเนียลริดจ์เวย์อัศวินพ่อของศิลปิน เขาแสดงที่ฝรั่งเศสซาลอนเป็นครั้งแรกในปี 1894 และยังคงทำเช่นนั้นตลอดชีวิตของเขาในขณะที่ยังได้รับเสียงไชโยโห่ร้องในอเมริกา ภาพวาด The Afterglow ของเขาถูกซื้อในปี 1922 โดยประธานาธิบดีวอร์เรนฮาร์ดิงสหรัฐอเมริกาสำหรับทำเนียบขาว

ภาพนี้จาก Archives of American Art โชคไม่ดีที่ไม่ได้ให้เรา แต่คุณต้องคิดว่าศิลปินที่เต็มใจลุยลงไปในน้ำด้วยขาตั้งบันไดและสีของเขานั้นอุทิศให้กับการสังเกตธรรมชาติหรือ นักแสดง

2440: ชั้นเรียนศิลปะของผู้หญิง

ภาพนี้จากปี 1897 จาก Archives of American Art แสดงคลาสศิลปะของผู้หญิงกับอาจารย์ William Merritt Chase ในยุคนั้นชายและหญิงเข้าร่วมชั้นเรียนศิลปะแยกจากกันซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ผู้หญิงโชคดีพอที่จะได้รับการศึกษาศิลปะได้ตลอดเวลา

Art Summer School c.1900

นักเรียนศิลปะที่โรงเรียนสอนวิจิตรศิลป์ฤดูร้อนของเซนต์พอลพอลโดตามินนิโซตาถ่ายภาพในปีค. ศ. 900 กับอาจารย์เบิร์ตฮาร์วู้ด

แฟชั่นนอกเหนือจากดวงอาทิตย์ดวงใหญ่นั้นมีประโยชน์อย่างมากสำหรับการวาดภาพกลางแจ้งเพราะมันจะช่วยป้องกันแสงแดดและป้องกันไม่ให้ใบหน้าของคุณโดนแดดเผา (เช่นเดียวกับเสื้อแขนยาว)

"เรือของเนลสันในขวด" - Yinka Shonibar

บางครั้งมันเป็นระดับของงานศิลปะที่ให้ผลกระทบอย่างน่าทึ่งมากกว่าเรื่อง "เรือของเนลสันในขวด" โดย Yinka Shonibar เป็นงานชิ้นนี้

"เรือของเนลสันในขวด" โดย Yinka Shonibar เป็นเรือที่มีความสูง 2.35 เมตรภายในขวดที่สูงกว่า เป็นแบบจำลองมาตราส่วน 1:29 ของเรือธง HMS Victory ของพลเรือโทเนลสัน

"เรือของเนลสันในขวด" ปรากฏบนแท่นที่สี่ในจตุรัสทราฟัลการ์ในลอนดอนเมื่อวันที่ 24 พฤษภาคม 2010 แท่นที่สี่ยืนว่างจาก 1841 ถึง 1999 เมื่อครั้งแรกของงานศิลปะร่วมสมัยต่อเนื่องชุดแรกสำหรับแท่นโดย คณะทำงานแท่นที่สี่

งานศิลปะก่อนหน้า "เรือของเนลสันในขวด" เป็นหนึ่ง & อื่น ๆ โดยแอนโทนีกอร์ลีย์ซึ่งคนอื่นยืนอยู่บนแท่นเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมงรอบนาฬิกา 100 วัน

จากปี 2005 ถึงปี 2007 คุณสามารถเห็นรูปปั้นของ Marc Quinn, Alison Lapper ตั้งครรภ์ และจากเดือนพฤศจิกายน 2007 เป็นแบบจำลองสำหรับ Hotel 2007 โดย Thomas Schutte

การออกแบบผ้าบาติกบนใบเรือของ "เรือของเนลสันในขวด" ถูกประทับตราโดยศิลปินบนผืนผ้าใบโดยได้รับแรงบันดาลใจจากผ้าจากแอฟริกาและประวัติศาสตร์ของมัน ขวดนี้มีขนาด 5x2.8 เมตรทำจากโปร่งใสไม่ใช่แก้วและขวดมีขนาดใหญ่พอที่จะปีนภายในเพื่อสร้างเรือ